Montagem

Primeiros experimentos

Edwin S. Porter é geralmente considerado o primeiro cineasta americano a colocar a edição do filme em uso. Embora seja na Inglaterra com a Escola de Brighton, nas mãos de Smith que divide uma ação, isto é, execute a montagem: as aventuras de Mary Jane . Porter trabalhou como técnico elétrico antes de se juntar ao laboratório de filmes de Thomas Alva Edison no final dos anos 90. Os primeiros filmes de Thomas Edison (que a empresa inventou uma câmera de movimento e um projetor) e outros eram curtas que eram uma longo, estático e picado. O movimento nos tiros era tudo o que era necessário para divertir uma audiência, então os primeiros filmes simplesmente mostravam atividades diárias, como o movimento datráfego em uma rua da cidade. Não houve história ou problema. Cada filme correu quando foi filmado na câmera. Quando o estúdio de cinema de Edison procurou aumentar o comprimento de seus curtas-metragens, Edison consultou Porter. Porter fez um filme inovador, Life of a American Fireman em 1903. O filme foi quase o primeiro a ter um argumento, ação e até mesmo um close-up de uma mão ativando um alarme de incêndio.

Seguiram-se outros filmes. O filme inovador de Porter, Assault e Theft of a Train ainda está sendo mostrado nas academias de cinema hoje como um exemplo de primeiras edições de filmes. Foi produzido em 1903 e foi um dos primeiros exemplos de uma edição dinâmica e cheia de ação – combinando as cenas filmadas em momentos e lugares diferentes e para impacto emocional não disponível em um tiro longo estático. Sendo um dos primeiros filmes com um roteiro (diretor de filme, editor e engenheiro), a Porter também inventou e usou alguns de seus primeiros efeitos especiais (embora primitivos), como a dupla exposição, miniaturas e cenas cortadas.

Porter descobriu aspectos importantes do idioma cinematográfico: que a imagem da tela não precisa mostrar uma pessoa completa da cabeça aos pés e que juntar duas tomadas cria um contexto coyuntural na mente do espectador. Estas foram as principais descobertas que possibilitaram disparos (neste caso, a cena inteira de cada tiro é uma cena completa) podem ser fotografadas em lugares muito diferentes durante um período de tempo (horas, dias ou mesmo meses) e são combinadas em um todo narrativo. O que, assalto e roubo de um tremcontém cenas em estudos de uma estação de telégrafo, o interior de um vagão e um salão de baile, com cenas ao ar livre em uma torre de água da ferrovia, no próprio trem, em um ponto ao longo da trilha e na floresta. Mas quando os ladrões deixaram o interior da estação de telégrafo (estudo) e deixaram em uma torre de água, o público acreditava que eles estavam vindo de um lugar para outro imediatamente. Ou quando você entra no trem de uma só vez e entra no vagão de bagagem (um conjunto) no próximo, o público pensa que eles estão no mesmo trem.

Uma vez, em torno de 1918, o diretor russo Lev Kuleshov fez um experimento que provou este ponto. Ele pegou um velho clip de filme de um avião na cabeça de um ator russo e intercalou um tiro de uma tigela de sopa, e depois com uma criança brincando com um ursinho de pelúcia e depois um avião para uma mulher velha em um caixão. Quando ele mostrou o filme às pessoas, eles elogiaram o desempenho do ator; A fome em seu rosto quando ele olhou para a sopa, o prazer com as crianças e a aflição com a mulher morta. Claro, a tomada do ator foi anos antes de outros tiros e ele nunca viu nenhum desses elementos. O simples ato de justaposição faz com que os tiros criem uma relação entre eles.

Fundamentos psicológicos da montagem

A sucessão de filmagens de um filme baseia-se no olhar e pensamento ou outras palavras a tensão mental do espectador. A montagem possui um caracter dialético: cada soquete inclui um elemento que tem sua resposta no próximo soquete. Então a tensão psicológica do espectador é uma causa que deve ser satisfeita pela continuidade dos tiros. Cada tiro funciona em si como uma unidade, mas incompleto. Então a história cinematográfica aparece como uma série de sínteses parciais.

Raccord 

É essencial criar uma certa continuidade, mesmo em montagem paralela, chamada de conexão . ² Ele serve para colocar o visualizador em um espaço para não enganá-lo.

Características:

• Explique uma história eliminando tudo desnecessário e evitando repetições
• Cria consistência espacial
• Mantém continuidade temporária
• Criar relacionamentos visuais e rítmicos
• Esconde o espectador de recursos de construção de ficção

Tipos

• Posição: o ator deve ocupar a mesma posição de uma seqüência para a outra
• De aparência: os olhares devem seguir uma orientação lógica em planos consecutivos.
• De vestuário: é necessário respeitar as possíveis mudanças ou não dos trajes e os danos ou mudanças que estes têm
• Posição da câmera: muito importante ao fazer a montagem do filme
• Maquilhagem e cabeleireiro
• Assembléia: para dar continuidade e sentir a narração .

Postprodução

Editor’s Cut

Existem várias etapas de edição e o corte do editor é o primeiro. O corte de um editor (às vezes referido como “montagem de edição” ou “corte grosso” geralmente é o primeiro passo do que o filme final será quando ele atingir sua pós-produção completa. Provavelmente, antes do corte, o editor e o diretor teriam visto ou discutido “diários” (receitas feitas dia a dia) quando a filmagem progrediu. Os diários deram uma idéia aproximada das intenções do diretor. Porque este é o primeiro passo , o corte do editor pode ser maior do que o corte final. O editor continua a aperfeiçoar o corte enquanto a filmagem continua, e às vezes o processo de edição dura meses, por vezes, mais de um ano, dependendo do filme.

Corte do diretor

Quando a filmagem termina, o diretor pode concentrar sua atenção em colaborar com o editor e continuar aperfeiçoando o corte do filme. Isso segue o primeiro corte do editor, mas moldá-lo para se adequar à visão do diretor. Nos Estados Unidos, de acordo com as regras da DGA, o diretor recebe um mínimo de dez meses antes de completar a fotografia principal para preparar seu primeiro corte. Ao colaborar no que é referido como o “corte do diretor”, o diretor e editor cobrem todo o filme completamente, as cenas e os tiros são reordenados, removidos, cortados e ajustados de outra forma. Muitas vezes, os vazios são descobertos no enredo, perdendo tiros ou mesmo perdendo segmentos que podem exigir novas cenas para serem filmadas. Por esse tempo de trabalho e colaboração estreita – um período que geralmente é muito mais longo e muito mais intimamente envolvido do que toda a produção e filmagem – a maioria dos diretores e editores formam um único link artístico.

Final Cut

Muitas vezes, depois que o diretor teve a oportunidade de rever um corte, os cortes subsequentes são supervisionados por um ou mais produtores, que representam a empresa de produção ou um estúdio de cinema. Houve vários conflitos no passado entre o diretor eo estúdio, às vezes levando ao uso do crédito de Alan Smithee , o que significa que quando um diretor não quer mais estar associado à versão final.

Tipos de montagem

De acordo com a totalidade da história cinematográfica

• Edição narrativa ou clássica: informa os fatos, cronologicamente ou fazendo saltos para o futuro (flash-forward) quanto ao passado (flash-back e Racconto), mas sempre se estruturando com a idéia de dotá-los de forma narrativa .
• Assembléia ideológica: quando você usa emoções, seja com base em símbolos, gestos, etc.
• Assembléia criativa ou abstrata: ordenação sem levar em conta uma certa cronologia como recurso cinematográfico, mas como uma operação totalmente nova, que tentará dar consistência, ritmo, ação e beleza ao trabalho do filme.
• Assembléia expressiva: quando estabelece o ritmo da ação, rápido nas aventuras e na ação, lenta no drama e no suspense.
• Montagem rítmica: aspecto métrico, diz respeito ao comprimento dos tiros, uma correlação entre o ritmo (movimento da imagem, das imagens entre si) e o movimento na imagem. Há tiros longos (ritmo lento) que dão uma sensação de languidez, e disparos curtos ou muito curtos / flashes que dão uma projeção acelerada. ³

Montagem analítica ou externa e montagem sintética ou interna

• Montagem analítica ou externa : com quadros planos curtos (“fechados”) e geralmente de curta duração. A realidade é analisada através do estudo em partes.
• Montagem sintética ou interna : com base em quadros de plano longos (“abertos”) e freqüentemente usam profundidade de campo (a frente, figura e fundo estão focados). Ele dá uma visão mais ampla da cena, sem a vontade de analisar.

A montagem analítica baseia-se na premissa de que informações significativas dentro do plano são dadas sucessivamente, enquanto a montagem sintética é foco de interesse simultâneo que ocorre, em geral, em diferentes bairros e distâncias para a câmera. Os gerentes costumam usar recursos diferentes para classificar essa informação. A supertrama (no filme Citizen Kane , de Orson Welles , um quadro de janela corta Kane brincando com seu trenó, enquanto em primeiro plano ele vê sua mãe entregar a tutoria ao banqueiro) é uma ferramenta que a maioria dos O tempo ajuda a construir este plano total com montagem sintética (terminologia que Bazin usa em seu livro O que é o cinema?).

A montagem imperceptível

André Bazin escreveu que “a montagem só pode ser usada dentro de limites precisos, sob pena de atacar a própria ontologia da fábula cinematográfica” (a montagem como negação). ⁴ A essa violação perceptiva dentro da assembléia, ele se opõe a tiros em profundidade de campo e sem cortes ou a menos que haja uma homogeneidade de espaço e cenas organizadas com movimento dentro do plano, para que o espectador seja aquele que distribui sua atenção livremente para as áreas mais significativas da imagem.

A montagem de som

O som adiciona possíveis conflitos entre planos, entre o interior dos quadros ou entre sequências ou segmentos, aqueles que afetam o cruzamento entre imagem e som, multiplicando as expressões (conflito potencial). Não só consiste na voz e na palavra, mas também inclui efeitos sonoros variados. ⁵

A regra de seis

Walter Murch é o criador da teoria da assembléia A regra de seis , que é criada em seu trabalho No momento do piscar ⁶ . Esta regra baseia-se no uso de uma hierarquia para saber onde e quando cortar para se deslocar de uma cena para outra. Baseia-se em seis critérios com uma porcentagem de importância cada, atingindo uma configuração 100% ideal. A emoção é o que deve ser preservado primeiro no momento da montagem.

1. Responde ao entusiasmo do momento (51%)
2. Avance o argumento (23%)
3. Ocorre em um momento interessante a partir do ponto de vista rítmico (10%)
4. Ele leva em consideração a direção do olhar (7%)
5. Respeita a planaridade, a gramática de três dimensões como questões de eixo (5%)
6. Siga a continuidade tridimensional do espaço, onde as pessoas estão em um quarto e uma relação com os outros (4%)

Programas de montagem, edição e pós-produção

Atualmente, existem vários programas digitais para edição e edição de vídeo e som, os mais destacados são:

• Avid Media Composer: Este programa é um dos mais utilizados. Foi um dos primeiros a ser estabelecido no mercado e é o padrão para cinema e televisão.
• Adobe Premiere Pro CC: Este programa é mais utilizado no campo profissional, oferecendo muitas mais opções em processamento de vídeo, mas é mais complexo quando usá-lo. Atualmente, a versão mais recente é o CC.
• Sony Vegas Pro: Este programa é muito utilizado devido à sua simplicidade ao anexar e aparar vídeo e clipes de áudio. No entanto, não é aquele que oferece uma gama mais ampla de opções de nível de efeitos.
• Adobe After Effects: Este programa é um dos melhores que existe no nível de criação de efeitos especiais. É bastante complexo e também pode ser usado para cortar e grampear clipes (embora esta não seja a função mais notável).
• Final Cut Pro: O programa de pós – produção por excelência de computadores MacOs , com uma janela de possibilidades bastante amplo, mas não muito especializado em áreas como efeitos especiais.

Veja também

•  Portal: filmes . Conteúdo relacionado ao cinema .

Referências