cinematografia

Cinematografia (do grego : kíνημα Kinema ‘movimento’ e γράφειν graphein ‘imagem, desenho’) é a criação de imagens em movimento . Você pode incluir o uso de filmes ou imagens digitais , geralmente com uma câmera de vídeo . Ele está intimamente relacionado com a arte da fotografia . Ambas as dificuldades técnicas como inúmeras possibilidades criativas surgem quando os elementos de câmera e cena estão em movimento.

História

Ver artigo principal: História do Cinema

Cinema sempre foi uma forma de arte única para os filmes de todos os gêneros. Embora a exposição de imagens em elementos sensíveis à luz remonta ao início da era do século XX, os filmes exigiu uma nova forma de fotografia , e novas técnicas estéticas. “Ele ‘s forma é uma percepção em imagens em movimento com ou sem som, talvez distorcida na maioria das realizações cinematográficas, mas com um sentido próprio e querendo para dar uma visão mais ampla, simples ou complexa da realidade, história, futuro conceito e ficção. ” (Victor Raul González)

Na infância de filme , o cineasta também exercido o papel de diretor ea pessoa segurando a câmera. No o momento em que arte e tecnologia evoluiu, surgiu uma separação entre o diretor e operador de câmara . Com o advento da luz artificial e mais rápido em filmes (sensível à luz) e os avanços tecnológicos, tais como filmes coloridos e panorâmica , girou para fora que a produção de filmes, especialmente em alguns aspectos técnicos pessoal necessário cada vez mais especializado. A fotografia foi fundamental durante a era do cinema mudo – não havia outra do que o som de música de fundo , não diálogo- e filmes foram baseados em iluminação, atuação e interpretação.

Em 1919, em Hollywood, a nova capital de cinema do mundo, um dos primeiros (que ainda existe) foi estabelecido empresas comerciais: a American Society of Cinematographers (ASC), que permaneceu para organizar a contribuição de Cinematographers arte e filmes de ciência criação. Em outros países também foram estabelecidas associações como comerciais. A ASC define cinematografia como “um processo criativo e interpretativo que culmina com a autoria de uma obra de arte original em vez de apenas a gravação de um evento físico.”

A fotografia não é uma subcategoria de fotografia, mas uma cinematograph habilidade usada na adicção com outros físicos, organizacionais, directivas, e realizando os manipuladores de imagem para realizar um processo de técnicas coerentes.

Aspectos

A arte do cinema contribuir de muitas maneiras. Estes são:

sensor de imagem e fotografia

Cinematografia pode começar com papéis do filme ou sensor de imagem digitais . Os avanços na produção de filmes e estrutura de grão fornecida uma ampla gama de filmes fotográficos disponível. A seleção de um filme foi uma das primeiras decisões tomadas na preparação do filme típico do século XX.

Além da seleção de largura do filme – 8 milímetros (amador), 16 milímetros (semi-profissional), 35 milímetros (profissional) e 65 milímetros (imagem épica que raramente é usado, exceto espaços para eventos especiais) – o cinematograph tem uma selecção de reversão reserva (quando são revelados cria uma imagem positiva) e formatos de negativos juntamente com uma vasta gama de velocidades do filme (sensibilidade à luz) da ISO 50 (mais lento, menos sensibilidade à luz ) a 800 (muito sensíveis à luz) e as diferentes respostas muito rápidas, de cor (saturação baixa, alta saturação) e contraste (variando os níveis entre preto puro (sem exposição) e puro (exposição total) branco.

Avanços e ajustes para quase todas as medidas do filme criado, os “super” formatos onde a área de filme usados ​​para capturar um único quadro de uma imagem ampliada, embora a medida física do filme permanece a mesma. Super 8 mm, super 16 mm e Super 35 mm todos usam mais da área total do filme imagem para suas não-super-contrapartes “regular”. Um filme maior, quanto maior for a resolução de clareza e qualidade técnica na imagem.

As técnicas utilizadas por os filmes de laboratório para processar película fotográfica também pode fornecer uma discrepância na imagem produzida. Controlando a temperatura e variando a duração em que o filme é embebido no desenvolvimento químico e salta certos processos químicos, ou saltar todas parcialmente. Cinematographers pode alcançar diferentes pontos de vista de um filme fotográfico único no laboratório. Algumas técnicas que podem ser utilizados são aqueles descritos , de bypass lixívia e processamento de cruz .

O trabalho do século XXI totalmente utilizada cinema digital e não tem nenhum filme fotográfico, mas as câmeras pode ser ajustado em diferentes formas que vão além das habilidades de um filme fotográfico em particular. Estes podem fornecer graus variáveis de sensibilidade de cor, o contraste da imagem, sensibilidade à luz, etc. Uma câmera pode alcançar a gama completa de pontos de vista de diferentes emulsões, embora seja muito discutido como método de captura de imagem é o “melhor” método. As configurações de imagem digital (ISO, contraste etc.) são realizados por estimar os mesmos ajustes que ocorreriam se um verdadeiro filme estava em uso, e assim são vulneráveis a essas percepções design de vários câmeras de filme fotográficas e sensor de as configurações dos parâmetros da imagem.

Filtros

Os filtros , como os filtros de difusão ou filtros de efeitos de cor, também são amplamente utilizados para melhorar os efeitos de humor ou efeitos dramáticos. A maioria dos filtros fotográficas são compostas de duas peças de vidro óptico ligadas em conjunto com uma forma de imagem ou de manuseamento de materiais de luz entre o vidro. No caso de filtros de cor, frequentemente no meio não é uma cor translúcido pressionado entre dois vidro óptico plana. filtros de cor funcionam bloqueando certos comprimentos de onda que a cor da luz que atinge o filme. Com filme a cores, isso funciona muito intuitivamente, então um filtro azul reduz a passagem para o vermelho, laranja e amarelo e cria uma tonalidade azul clara no filme. Com as fotografias a preto e branco, os filtros de cor são pouco utilizado, tal como um filtro amarelo, que reduz os comprimentos de onda da luz azul, que pode ser usado para escurecer um céu do verão (por remoção luz azul bater no filme, assim underexposing grandemente o céu todo azul), embora o tom de pele não mais humano. Alguns cineastas como Christopher Doyle , são bem conhecidos por seu uso inovador de filtros. Os filtros podem ser usados na frente da lente, ou em alguns casos, por trás da lente para efeitos diferentes.

Lens

Com a lente que você pode conectar a câmera para dar um certo olhar ou sentir o efeito de foco, cor, etc. Como o olho humano , a câmera cria perspectiva e as relações espaciais com o resto do mundo. No entanto, ao contrário de um olho, uma fotografia pode selecionar lentes diferentes para diferentes fins. A variação da distância focal é uma grande vantagem. A distância focal da lente determine o ângulo de visão e, por conseguinte, o campo de visão . Cinematographers pode escolher entre uma ampla gama de lentes “normais” ângulo e as lentes longas foco , bem como lentes macro e sistemas de lentes outros efeitos especiais, tais como lentes de baroscópio . Os objectivos de um grande ângulo com comprimentos focais curtas e as distâncias espaciais tornar-se mais aparente. Uma pessoa na distância parece muito menor, enquanto alguém próximo é maior. No outro lado, lentes de foco longos reduzir tais exageros, representando objetos distantes parecem tão juntos ea perspectiva de achatamento.

As diferenças entre a representação de perspectiva não é devido ao comprimento focal em si, mas pela distância entre o objecto e a câmara. Portanto, o uso de diferentes comprimentos focais em combinação com outra câmara para a distância do assunto cria esta representação diferente. Ao alterar o comprimento focal apenas enquanto a posição da câmara em si não afectam o permanece em perspectiva, apenas o ângulo de visão. A lente zoompermite que um operador de câmara para alterar seu comprimento focal dentro de um tiro ou rapidamente mudar entre as configurações de tiros. Como principais objectivos , proporciona qualidade óptica avançada e são “mais rápido” (o diafragma grandes aberturas, que podem ser usados em menos luz) do que as lentes de zoom, que são muitas vezes utilizados em filmes profissional sobre lentes de zoom. cenas ou tipos de filme certo, no entanto, pode exigir o uso de uma velocidade de zoom ou facilidade de uso e vacinas envolvendo movimento de zoom.

Como uma outra imagem, a imagem de controlo está exposta sobre a lente para controlar a abertura do diafragma. Seleção, o diretor de fotografia exige que todas as lentes são gravados com T-Stop , não f-stop , de modo que a perda de luz é devido à possível, o vidro não afeta o controle de exposição quando ajustado usando calibres normalizados. A escolha da abertura também afeta a qualidade da imagem (aberrações) e da profundidade de campo (veja abaixo).

A profundidade de campo e foco

Um exemplo de abordagem tiro profunda é no filme Cidadão Kane (1941): tudo, até mesmo o chapéu em primeiro plano e o menino (o jovem Charles Foster Kane) na distância, eles estão em uma abordagem nítidoo. Em Citizen Kane cineastas Gregg Toland e Orson Welles usadas para criar aberturas estrita profundidade de campo muito grandes cenas, muitas vezes tornando cada detalhe do primeiro plano eo fundo são consolidados em foco nítido . Esta prática é conhecida como profundidade de campo. A profundidade de campo tornou-se um dispositivo cinematográfico popular de 1940 Hollywood .

A distância focal e abertura do diafragma afeta a profundidade de campo de uma cena, ou seja, até que ponto a parte inferior, médio e baixo primeiro plano é representado no “caminho certo” (um avião exata a imagem exata está em foco) em filme ou destino de vídeo. A profundidade de campo (não devem ser confundidas com a profundidade de foco ) é determinado pelo tamanho da abertura e da distância focal. Grande profundidade ou a profundidade de campo é gerado com uma pequena abertura da íris e focando em um ponto na distância, enquanto uma menor profundidade de campo pode ser alcançado com uma grande abertura da íris e focar mais perto da lente. A profundidade de campo é também governado pelo tamanho do formato. Considerando-se o campo de visão e o ângulo de visão, a menor é a imagem, a distância focal deve ser mais curto, para manter o mesmo campo de visão. Assim, quanto menor a imagem, a profundidade de campo vai ficar mais para o mesmo campo de visão. Portanto, ele é inferior a 70 milímetros profundidade 35 milímetros de campo para um determinado campo de visão, mais de 16 milímetros a 35 milímetros e câmeras de vídeo ainda mais profundidade de campo de 16 milímetros. Como cinegrafistas tentar imitar a aparência da película de 35mm com câmeras digitais, esta é uma questão de frustração, profundidade excessiva de campo com câmeras digitais e do uso de dispositivos ópticos adicionais para reduzir a profundidade de campo.

Hoje, a tendência é mais abordagem superficial . Para alterar o plano focal de um objeto ou personagem para outro dentro de um tiro, que é comumente conhecido como um viveiro de rack.

relação de aspecto e estrutura

A relação de aspecto de uma imagem é a proporção da sua largura à sua altura. Isto pode ser expresso como uma razão de dois inteiros, tais como 03/04, ou num formato decimal, como 1,33. Diferentes proporções oferecem diferentes efeitos estéticos. Normas para a relação de aspecto tem variado significativamente ao longo do tempo. Durante a época do cinema mudo, proporções variar amplamente, variando desde o quadrado 1,1 , todo o caminho para o ecrã panorâmico final 4,01 PolyVision . No entanto, desde a década de 1910, imagens em movimento silenciosos geralmente se instalaram na proporção de 4: 3 (1,33). A introdução do som no filme fechar momentaneamente a relação de aspecto, para dar espaço para a banda sonora. Em 1932, um novo parâmetro introduzido à razão de 1,37 , a fim de alargar o quadro.

Durante anos, os gestores da fotografia tradicional estão limitados a do uso de Academy razão, mas na década de 1950, graças à popularidade do Cinerama , as taxas de formato largo foram introduzidos em um esforço para trazer o público de volta para teatro / cinema, fora de sua casa e longe de seus televisores . Estes novos produtores panorâmicas forneceu um quadro muito mais amplo para compor suas imagens.

Vários sistemas de fotografia foram inventados e usados ​​na década de 50 para criar filmes, mas que domina hoje: o processo anamórfico, opticamente aperta a imagem a ser fotografada duas vezes o tamanho da área horizontal e o mesmo tamanho vertical como padrão “esféricos”. lentes

O primeiro uso comum de anamórfico foi CinemaScope , que usado um rácio 2,35, mas inicialmente era 2,55. CinemaScope foi usado 1953-1967, mas devido a defeitos técnicos na concepção e posse Fox, empresas terceirizadas, liderados por melhorias técnicas de Panavision nos anos 50, agora dominam a lente anamórfica mercado.

Mudanças nas projeções padrão SMPTE alterar as proporções projetada 2,35-2,39 em 1970, embora isso não muda nada, exceto as normas fotografia anamórfico; todas as alterações em relação às proporções de fotografia de 35mm anamórfico são específicos para uma câmera ou projetor, não o sistema óptico.

Após a “guerra dos ‘panorâmicas 50, o padrão da indústria cinematográfica estabelecida 1,85 para projeções nos Estados Unidos e no Reino Unido. Esta é uma versão curta de 1,37. Europa e Ásia escolheu 1,66 no início, mas a 1,85 foi amplamente permeada estes mercados em décadas recentes. Certos filmes de aventura “épicas” ou usando anamórfico 2.39.

Na década de 90, com o advento de vídeo em alta definição, os engenheiros de televisão criado a razão de 1,78 (16: 9) como compromisso matemática entre a película padrão de 1,85 e 1,33 televisão, e ele não estava prático para produzir um tubo CTR televisão tradicional com uma largura de 1,85. Até então, ele não tinha criado qualquer coisa em 1,78. Hoje, este é um padrão para alta – definição de vídeo e televisão panorâmica. Alguns filmes de cinema gravado com câmeras atualmente HDTV.

Iluminação

Iluminação é necessário para criar a exposição de uma imagem em um frame de um filme ou de um cartão digital (CCD, etc.). A arte da iluminação na cinematografia longe da exposição básica, no entanto, a essência da narrativa. Iluminação contribui consideravelmente para a resposta emocional que o público tem de ver imagens em movimento. Como o diretor Sahin Michael Derun disse uma vez a diferença entre pornografia e erotismo é a iluminação (simplesmente destacando a importância da iluminação em cinematografia).

movimentos de câmera

Ver artigo principal: movimentos de câmera

O filme não só pode representar um objeto em movimento, mas ele pode usar uma câmera que representa o ponto de vista ou perspectiva do público, que se move durante o disparo. O movimento desempenha um papel significativo na linguagem emocional de imagens filmagem e a reação emocional do público para a ação. As técnicas vão desde os movimentos mais básicos de ” panning ” (movimento horizontal de um ponto de vista a partir de uma posição fixa, como se você estivesse virando a cabeça de um lado para o outro) e “inclinação” (movimento vertical de um ponto de vista de uma posição fixa, e inclinando a cabeça para trás para olhar para o céu e depois para o chão) para o ” dollying ” (posicionar a câmera em uma plataforma movendo em direção ou para longe do objeto), “tracking” (posicionar a câmera sobre uma plataforma móvel para mover para a esquerda e para a direita), cranning (movendo-se a câmara numa posição vertical, ser capaz de levantar o chão e balançar -lo a partir de um lado ao outro a partir de uma posição fixa), e suas combinações .

As câmeras têm vindo a ser montados quase todos os meios imagináveis de transporte; A maioria das câmeras também podem ser mão , isso significa que eles estão nas mãos da câmera que se move de uma posição para outra, enquanto filmava a ação. plataformas estabilizantes foram utilizados pela primeira vez no final dos anos 70, para a invenção de Garret Brown , conhecido como ” Steadicam “. O “Steadicam” é um arnês e estabilizadores braços que se conecta à câmara, suportando a câmara enquanto isolado a partir dos movimentos do utilizador. Após a patente “Steadicam” expiram no início dos anos 90 ‘s , muitas outras empresas começou por fabricar seus próprios câmeras conceito estabilizador.

Os efeitos especiais

Ver artigo principal: Efeitos Especiais

Os primeiros efeitos especiais do filme foram criados enquanto o filme estava sendo filmado. Estes começaram a ser conhecidos como os “efeitos na câmera “. Mais tarde, efeitos ópticos e digitais foram desenvolvidos para editores e artistas de efeitos visuais poderiam controlar o processo por manipular o filme na pós-produção . Você pode ver muitos exemplos de efeitos especiais “na câmera” funciona de Georges Méliès .

frame rate

imagens em movimento são mostrados para o público a uma velocidade constante. No filme, ele é de 24 quadros por segundo (FPS) em NTSC TV (US) é de 30 frames por segundo (29.97 para ser exato) em PAL (Europa) a televisão é de 25 frames por segundo. Esta velocidade de renderização não varia.

No entanto, variando a velocidade na qual a imagem é capturada, vários efeitos podem ser criados sabendo que a imagem gravada mais rápido ou mais lento será apresentado a uma velocidade constante. Por exemplo, a fotografia ” time-lapse ” é criado por expor uma imagem a uma velocidade muito lenta. Se um filme colocado uma câmera para expor um quadro a cada minuto durante quatro horas, e, em seguida, o material é projetado em 24 quadros por segundo, um evento de 4 horas depois de 10 segundos representados, e qualquer um pode enviar eventos para um dia inteiro ( 24 horas) em um minuto.

Por outro lado, se uma imagem é captada a velocidades mais elevadas para ser exposto, o efeito é o de retardar o filme ( movimento lento ). Se um diretor de fotografia captura um mergulho pessoa em uma piscina em uma taxa de 96 quadros por segundo e a imagem está exposta a 24 quadros por segundo, a representação vai durar 4 vezes mais do que a ação real. captura de movimento lento Extreme, capturando milhares de quadros por segundo pode tornar as coisas invisíveis para o olho humano , como balas em uma guerra e ondas de choque que viajam pelo ar, uma técnica cinematográfica potencialmente poderosa.

Imagens em movimento, manipular tempo e espaço é um fator que contribui significativamente para as ferramentas para contar histórias. Montado desempenha um papel muito mais forte neste manipulação, mas a seleção da taxa de enquadramento na fotografia da ação original também é um fator contribuinte quanto à alteração de tempo. Por exemplo, Modern Times de Charles Chaplin foi filmado em uma “velocidade silenciosa” (18 fps), mas projetada “velocidade do som” (24 fps), o que faz com que pareça palhaçadas mais frenéticos.

A ” câmera lenta ” ou “rampa de velocidade” é um processo pelo qual a taxa de captura de quadro muda ao longo do tempo. Por exemplo, se durante os 10 segundos de captura, a taxa de captura é ajustado a 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, quando iniciado na velocidade padrão de 24 quadros por segundo, uma manipulação é conseguido momento excepcional. Por exemplo, alguém abrir uma porta e saiu para a rua parecem começar câmera lenta, mas um alguns segundos mais tarde, e leva a pessoa parece para estar andando “tempo real” (velocidade normal). Ao contrário da “rampa de velocidade” é usado em The Matrix quando Neo reentra Matrix para a primeira vez para ver o Oracle. Como deixa o armazém, a câmera se aproxima Neo em velocidade normal, mas o mais perto da face do tempo Neo parece ir diminuindo, prenunciando a manipulação do tempo, em seguida, visto no filme Matrix.

Pessoal

Na ordem hierárquica decrescente, este é o pessoal envolvido:

  • Diretor de fotografia também chamado cinematógrafo .
  • Cameraman também chamado cameraman .
  • Assistente de câmara também conhecido como foquista .
  • Segundo assistente de câmara também conhecido como carregador aplausos .

Na indústria cinematográfica, o diretor de fotografia é responsável pelos aspectos técnicos das imagens (iluminação, escolha de câmeras, composição, exposição, filtros de seleção do filme), mas trabalha em estreita colaboração com o diretor para garantir que estética suporta a visão da história contada pelo diretor. Cinematographers são responsáveis para a câmera, motorista e iluminadores da equipe em conjunto e, portanto, são freqüentemente chamados de cinegrafistas ou DFs . De acordo com a tradição Inglês, se o DF lida com a própria câmera que será chamado o cinematógrafo. Geralmente em pequenas produções todas estas funções são desempenhadas por uma pessoa. A progressão na carreira normalmente envolve a subir a escada em segundo lugar, para finalmente lidar com a câmera. Cinematographers tomar muitas decisões criativas e interpretativas no decurso do seu trabalho, a partir de pré-produção para a pós-produção, que afetam a aparência geral do filme. Muitas dessas decisões são semelhantes ao que um fotógrafo precisa considerar quando você está tirando uma foto: o cinematógrafo controla todas as decisões do filme (de uma gama de ações disponíveis com diferentes sensibilidades à luz e cor), selecionando câmeras, luzes, abertura, exposição e foco. No entanto, o filme tem um aspecto temporal (ver persistência da visão), e não a fotografia, é apenas uma imagem estática. Ele também é mais volumoso e trabalho exaustivo com câmeras de vídeo, e envolve escolhas mais complexas. Um cinematógrafo geralmente precisam para trabalhar em equipe em vez de um fotógrafo, que muitas vezes pode ser uma pessoa. Como um resultado, o trabalho do cineasta também inclui a organização logística e gestão de pessoal.

Evolução da tecnologia: novas definições

Tradicionalmente, o termo “filme” referiu-se ao trabalho com uma espécie de filme feito com tinta à base de água, mas agora é sinônimo de videografia e vídeo digital, devido à popularidade do cinema digital. imagem Processo imagens modernas também fez possível mudar radicalmente. Isto permitiu novas disciplinas tirar partido de algumas das oportunidades que antes eram de domínio exclusivo dos cinematógrafos.

festivais de cinema

Um festival de cinema é a exibição de filmes curtos ou recurso em um determinado lugar por um tempo limitado.

As projeções podem ser abertos ao público ou reservado para os críticos, jornalistas ou profissionais.

O festival de cinema muitas vezes é a primeira reunião entre o trabalho, seus criadores eo público. É uma chave elemento na vida do filme, uma vez que pode ser amplamente questionada ou consagrada pela obtenção de um prémio internacional, como um Leão de Ouro no momento Venice Film Festival , o Urso de Ouro no Festival de Berlim ou a Palme d’ Or no Festival de Cannes .

festas além disso, permitir a descoberta de novos administradores e servem para promover a filmes.

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